De Rodrigo Cortés quizás no se sabe mucho, en total 7 películas dirigidas según IMDB, pero yo tuve el agrado de ver por el momento el Concursante y la verdad me gusto mucho; espero según su corto trailer con imágenes bastante repentinas y poco claras, generadoras de suspenso no sean solo las únicas en toda la película; ya me atrapa quizás el saber como terminara todo esto, se quedara sin oxigeno o lograra salir ? Luego veremos los comentarios.

Fuente: imdb – filmaffinity

Estamos en 1822 y los apaches entablan un acuerdo con una empresa minera mexicana, renunciando así a todos los derechos mineros prometiendo además contribuir a la paz  y seguridad en la ciudad de Santa Rita del Cobre. A cambio la empresa garantiza la subsistencia de los indígenas, cuyas tierras de caza están desapareciendo rápidamente. Pero las empresas estadounidenses también están interesados en los depósitos de metales preciosos, y una tribu de apaches es finalmente masacrada bajo sus órdenes. En vísperas de la guerra mexicano-americana, Ulzana, un joven guerrero Apache, jura vengar el exterminio de su tribu.

Apachen es un singular western de la República Democrática Alemana (la hoy prehitórica Alemania comunista) filmado en 1973,  dirigido y co-escrito por Gottfried Kolditz cuyo relato está trazado a partir de una historia de venganza originada en la masacre de una tribu apache en manos de mercenarios al servicio de los gobiernos de los EE.UU. y México en la que los héroes son los Apaches. Bien dirigidos, y rodada en Rumania y Uzbekistán (si leyó bien), es el octavo de doce westerns filmados por la DEFA desde el punto de vista de las diversas tribus indígenas. En este caso co-escrito y protagonizado por Gojko Mitic que es un famoso actor serbio, doble de riesgo, director y autor. Al año siguiente director y actor reincidieron en una secuela llamada Ulzana (no confundir con la versión de Aldrich de 1972).

Como Italia y España con sus spaghettis western, la Alemania generó una gran cantidad de “chucruts” westerns entre fines de los 60′s y comienzos de los 70′s. Cabe destacar, entre otras, la saga de Winnetou del célebre escritor Karl May (uno de los escritores alemanes más leídos) interpretado en la gran pantalla por el actor francés Pierre Brice (¡otro indio de ojos azules!) Apachen es una de los más de 700 largometrajes producidos por el mitico estudio germano-soviético DEFA.
La lectura de la película es rica en matices. Para empezar la película se hizo en un país comunista durante la guerra fría y es fácil ver cuál es el ángulo de la misma: Los villanos “blancos” representan el capitalismo (los verdaderos salvajes de la pelicula). Esto lo vemos, casi explicitamente, durante una escena en la que el Apache roba el agua y los caballos a una caravana dejándolos abandonados en el desierto. A continuación se sienta a ver como se matan unos a otros. Son egoístas y codiciosos, por lo que no pueden cooperar lo suficiente para sobrevivir a una mala situación. Las tribus indígenas, conocido por sus enemigos por su generosidad sin límites, no tienen un concepto de propiedad privada (sic), costumbres que podrían encajar fácilmente el ideal marxista. En resumen, indios proletarios y blancos capitalistas.

Menos mal que se filmó en Europa de los años 70′s porque si hubiera sido 20 años antes, en Hollywood, un tal McCarthy se hubiera hecho un festín. En cambio, el que se hará el festín, será aquel que pueda conseguir esta joya bizarra del western y disfrutarla como quien les escribe.

Cuando tienes 17 años el mundo es maravilloso. Pero cuando tienes 70, ya no piensas en fiestas ni en ir a bailar, y la única diversión es fingir que ya no hay que enfrentarse a los hechos.
¿Te importa si sigo fingiendo?”

Lucy ‘Ma’ Cooper (Beulah Bondi) a su nieta en Make Way for Tomorrow (1937) de Leo McCarey

Sólo un director de la talla de Leo McCarey (Tú y yo, La pícara puritana, Sopa de ganso) podía ser capaz de tratar el tema de la vejez, y de la carga que suponen al resto de la familia, de forma tan rabiosa y tan cálida a la vez. Es impresionante la maestría con la que pasa de la comedia al melodrama y viceversa de manera tal que no nos damos cuenta de los giros.
Abordar el tema de una pareja de ancianos que son separados era un tema más que delicado en los años 30. De este modo, cuando se estrenó, la campaña publicitaria ocultó el verdadero tema vendiéndola como una comedia sobre la vida de las jóvenes familias. Cabe destacar que McCarey era conocido hasta aquí por sus comedias (filmó con los más grandes de su época: Los hermano Marx, Laurel & Hardy, Harold Lloyd, W.C. Fields…) siendo este su primer melodrama.
El origen de esta inusual historia es el hecho de que McCarey acababa de perder a su padre, con quien era muy amigo. Su esposa le había recomendado leer un artículo de, la que luego sería la guionista, Viña Delmar (nada que ver con las playas chilenas). A leo le fascinó el articulo y en medio de sus vacaciones pidió que la contactaran. Por esas cosas del destino Delmar estaba en la misma ciudad. La buena química surgida de este encuentro y el libro de Josephine Lawrence -del que estaba basado el artículo- hicieron el resto.
Según cuenta Peter Bogdanovich, Orlson Welles le habría dicho que esa película “era capaz de hacer llorar hasta las piedras”. Y a un tal Ford (un director que solía “hacer westerns”) afirmaba que esta era su película favorita.
Es esclarecedor el discurso de agradecimiento de McCarey por el Oscar que le otorgaron el mismo año por La pícara puritana: “Gracias a todos por este premio, pero creo que se equivocaron de película”. Un elocuente McCarey. La película fue un gran fracaso en su estreno.
En una de esas en unos años a Tarantino se le ocurre hacerle una remake (ya tengo el titulo: “Geriátricos bastardos”) y logra revalorizarla. Mientras tanto tenemos a Bogdanovich, Giddins y, claro, Cuadro a Cuadro.

Para rentabilizar sus películas llenas de polvo y hacer las delicias de hordas cinéfilas en busca de perlas raras, Warner ha creado la división “The Warner Archive”. De este modo el cinéfilo puede entonces ir a su sitio web, elegir su película inédita favorita y comprar un DVD grabado a pedido que será enviado por la módica suma de u$s 19,95 (14.50€). Por ahora sólo 150 películas clásicas están disponibles pero Warner ofrecerá cada mes 20 nuevas películas y episodios de viejas series televisivas. El sitio ofrece además, por cada DVD encargado, un cortometraje que nada puede tener que ver con el titulo adquirido.
En parte sorprende la elección de Warner de utilizar en forma exclusiva un sistema basado en soporte físico en lugar de proponer paralelamente un servicio de VOD (video a la demanda) que probablemente hubiera abaratado costos de ambos lados y seducido a un mayor número de amantes del séptimo arte.

Pero no todo lo que brilla es oro. En la actualidad lamentablemente el servicio está disponible sólo para clientes residentes en los Estados Unidos. En caso de éxito (crucemos los dedos), es razonable imaginar que ampliarán  su mercado a otros países con el agregado de doblajes y subtítulos. En la actualidad se editan sin subtítulos ni doblajes adicionales. ¿Llegará el día en que uno podrá armar un DVD con la configuración de audio y subtítulos que mas le convenga? Esperemos que sí, un probable futuro gran cliente en potencia lo ruega.

Ver: The Warner Archive

Una habitación en penumbra de un viejo apartamento. En el centro un pájaro repiquetea en su jaula. A la derecha vemos a un hombre que, tumbado en la cama, hace volutas de humo mientras contempla la lluvia. Así comienza El Silencio de un Hombre, y es ya con esta evocadora presentación del personaje, cargada de un inquietante lirismo, como se nos ha revelado gran parte de la naturaleza del mismo, cincelada con maestría desde esta primera toma. Como el Pickpocket de Bresson, el Taxi Driver de Scorsese o el protagonista de La Condena de Béla Tarr, el alienado Jef Costello vive sumido en una soledad extrema. Alain Delon, que volvería a colaborar con el realizador en las dos siguientes y últimas películas de éste, nos regala una interpretación inolvidable, que a través de unos gestos y movimientos excesivamente calculados le otorgan a este personaje una suerte de aire distintivo, mítico (y místico), casi divino.

Del director y co-guionista galo Jean-Pierre Melville, uno de los máximos (y para mí el más original) exponentes del cine negro francés, se podría decir que sólo es superado en meticulosidad y perfeccionismo, dentro de este género, por los personajes que él mismo crea. Tanto el procedimiento de Costello como el de la policía están cargados de detalles mínimos, que junto a la escasez de diálogos hacen característico al cine de este autor. Y es que Melville no necesita que sus personajes protagonicen intensos diálogos para dar a conocer las inquietudes y sentimientos de éstos (en este sentido, el director de Le Samouraï, es la antítesis de su compatriota Eric Rohmer); su cine es más bien reflexivo y fuerza al espectador a la observación, la observación de los rostros, las miradas, las maneras. También es digna de mención su banda sonora, muy adecuada y que favorece a la introspección de los personajes.

Costello es un asesino a sueldo, gélido y minucioso como el que más, a quién contratan para liquidar al dueño de un local nocturno. A partir de aquí comienza la investigación policial. La trama no es demasiado importante, es más, bajo mi punto de vista se acerca a una excusa para exponer al personaje principal. Éste, da la impresión de que, en su soledad, los únicos pilares que le sustentan son su ya comentado perfeccionismo, su infalibilidad y su estilo. Pero todo esto no es suficiente cuando no hay interacción con otros seres humanos; cuando no hay un intercambio recíproco de respeto, apreciación, amor… Situación que provoca una deshumanización del individuo. El personaje al que da vida Nathalie Delon, la única persona con la que parece que se relaciona y a la que ama, le dice: “Me gusta que vengas a mi casa… porque me necesitas.” Es aquí cuando uno se percata del estado en el que vive Jef Costello, el samurái de Melville.

Título: ‘House of the Rising Sun’

Grupo: The Animals

Momento: Escena final de ‘Casino’

Sacha Guitry fue un actor, dramaturgo, escenógrafo, director de cine y guionista cinematográfico. Escribió más de cien obras teatrales, muchas de las cuales adaptó él mismo para el cine. Actuó en casi la totalidad de sus treinta y tres películas, entre las que destacan Le Roman d’un tricheur, Désiré, Mon père avait raison, Quadrille, Ils étaient neuf célibataires, La Poison, Si Versailles m’était conté y Assassins et voleurs. Famoso por su humor caústico, abordó todos los géneros. La mayor parte de sus comedias musicales las escribió para su segunda esposa, la actriz Yvonne Printemps. Estas comedias musicales le reportaron un gran éxito (como Mozart o L’amour masqué), así como las siete revistas musicales que hizo con su amigo el compositor Albert Willemetz.

Sacha Guitry (izquierda), su segunda esposa Yvonne Printemps y el general Gustave Ferrié

Comienzos teatrales y cinematográficos

Su nombre completo era Alexandre Georges-Pierre Guitry. Era hijo del actor cómico Lucien Guitry (1860-1925), muy famoso y apreciado en su época. Su madre, Renée Delmas, era hija del escritor y periodista René de Pont-Jest. Sacha fue un alumno mediocre, pero pronto mostró dotes teatrales, como autor y escenógrafo. Escribía sus propias obras (a menudo, en menos de tres días), las dirigía e interpretaba. En 1905 tuvo un gran éxito con Nono.

En 1907, sin embargo, obtuvo un sonoro fracaso con su obra La Clef, lo que desanimó grandemente a Sacha Guitry. El apoyo de su gran amigo el escritor Octave Mirbeau fue muy importante para que Guitry perseverara en su carrera teatral. Guitry solicitó a Mirbeau un prólogo para su obra Petite Hollande (1908) y, más tarde, dedicó a su figura la obra Un sujet de roman, estrenada el 4 de enero de 1924, con su padre Lucien Guitry como protagonista en el papel de Mirbeau. Sarah Bernhardt también debería haber participado en este estreno, en el papel de Alice Regnault (esposa de Mirbeau), pero falleció antes de la primera representación.

El 3 de octubre de 1916 estrenó en el Teatro de las Bouffes Parisiens otro de sus grandes éxitos: la obra Faisons un rêve, con la que se dio a conocer la gran actor y comediante de revista Raimu. Aparte del éxito popular, esta obra obtuvo también críticas muy adversas, ya que el teatro de Guitry simbolizaba todo lo opuesto a algunas corrientes de su momento, como la postura defendida una década después por el Cartel des Quatre (formado por Louis Jouvet, Charles Dullin, Gaston Baty y Georges Pitoëff) quienes aborrecían del teatro comercial y defendían la calidad de los textos y una puesta en escena de vanguardia.

Su primer intento cinematográfico data de 1915, cuando rodó Ceux de chez nous como reacción a un manifiesto alemán donde se exaltaba la cultura germánica. Guitry rodó imágenes de artistas franceses amigos de su padre, como Rodin, Claude Monet, Anatole France o Auguste Renoir, entre otros. Tomó nota de sus palabras y, durante las proyecciones públicas, las repetía en alto, inventando de esta manera, en cierto modo, la voz en off. No volvió a rodar otra película hasta 1935, cuando, por influencia de su joven esposa Jacqueline Delubac, comenzó a hacer versiones cinematográficas de sus propias obras teatrales. Pasteur (escrita para que su padre interpretara al protagonista, el doctor Louis Pasteur) fue protagonizada en el cine por el propio Sacha. Ese mismo año filmó Bonne chance. La protagonista femenina fue su esposa, Jacqueline Delubac.

En 1936 adaptó para el cine otra de sus obras Le nouveau testament y rodó la que muchos consideran su obra maestra: Le roman d’un tricheur. Esta película, que carece casi por completo de diálogos, se basa propia novela de su autor, Mémoires d’un tricheur. El propio Guitry es el narrador de la película y muestra su gusto por contar historias y su amor por el ilusionismo.

Estas cuatro primeras películas de Sacha Guitry ya contienen todo su mundo artístico: su capacidad de experimentar y jugar con los procedimientos fílmicos, la reconstrucción de acontecimientos históricos o de biografías de grandes personajes y adaptaciones teatrales. En sólo tres años, Guitry dirigió diez películas.^[1]

Los años finales de la década de 1930 son años de grandes éxitos. Por esas fechas se divorció de Jacqueline Delubac y se casó con Geneviève de Séréville, la única de sus cinco esposas que adoptará el apellido Guitry. Rechazó la proposición de formar parte de la Academia Francesa porque le imponían la condición de abandonar su carrera de comediante. Fue elegido miembro de la Academia Goncourt. Ese mismo año rodó su película Ils étaient neuf célibataires (1939), sobre los matrimonios de conveniencia. En la película participaron numerosas vedettes, como Elvire Popesco. El estreno de la película coincidió con el decreto del Gobierno que obligaba a los extranjeros a abandonar Francia. Al día siguiente, estalló la guerra.

Segunda Guerra Mundial

Guitry no abandona París y permanece en la ciudad durante la ocupación alemana. Durante este tiempo continúa con su actividad en los escenarios y el cine, con el propósito de mantener vivo el espíritu francés. Francia en aquel tiempo está bajo el dominio alemán. Utiliza sus influencias para conseguir la liberación de personalidades perseguidas por los nazis (como fue el caso del escritor Tristan Bernard y su esposa). Incluso, llegó a rodar la obra patriótica Le Destin fabuleux de Désirée Clary (estrenada en 1942), basada en la vida de la amante de Napoleón, Désirée Clary. También estrenó durante aquel periodo Donne-moi tes yeux (1943). Guitry se negó a que sus obras se representaran en estos momentos en Alemania

El 23 de agosto de 1944, en el momento de la Liberación de París, pocas horas después de haber telefoneado a su amigo Arletty, Guitri fue arrestrado por un grupo de la resistencia francesa, quienes le reprocharon su actitud durante la ocupación alemana. Guitry estuvo encarcelado durante 60 días sin que llegara a inculpársele de ningún delito concreto. Su encierro parece que estuvo instigado por rumores infundados propagados por ciertos escritores como Pierre Descaves y periodistas de Le Figaro (que en aquel tiempo estaba dirigido por Pierre Brisson, gran detractor de Guitry). El juez de instrucción solicitó en anuncios publicados en los periódicos, por dos veces, qué acusaciones recaían sobre Guitry, sin obtener ninguna respuesta convincente.^[2] El juez archivó el caso y en 1947 Guitry consiguió el sobreseimiento (Guitry aseguró que habría preferido un proceso). Sus recuerdos de aquellos días de prisión le servirán posteriormente para recrear la celda que aparece en su película La Poison (1951, protagonizada por Pauline Carton) y en dos recits: Quatre ans d’occupations (para el periodo de 1940 a agosto de 1944) y 60 jours de prison.

Años 50. Últimas películas y muerte

En 1951 se estrenó la película Adhémar ou le jouet de la fatalité. Estaba basada en una comedia de Guitry cuyo guió escribió él mismo, pero una intervención quirúrgica le impidió dirigirla. Fue Fernandel la persona en la que Guitry confió para que se encargara de la obra, pero el resultado no le satisfizo, se sintió traicionado y entabló un pleito contra Fernandel que ganó este último. Las obras siguientes de Guitry se caracterizan por su tono más melancólico (Le comédien, Deburau, Le Trésor de Cantenac), parfois caustique (Je l’ai été trois fois, La Poison, La Vie d’un honnête homme), aunque no perderá su predilección por la comedia (Toâ, Aux deux colombes, Tu m’as sauvé la vie). También rodó grandes producciones históricas (Versailles m’était conté, Napoléon, Si Paris nous était conté). El recuerdo de su arresto le inspiró Assassins et voleurs, protagonizada por Jean Poiret y Michel Serrault y en la que debutó como actor Darry Cowl. Les trois font la paire fue su última película. La enfermedad de Guitry le tenía muy debilitado y recurrió a la ayuda de Clément Duhour para poder rodar una película que se puede tomar como un resumen del espíritu de Guitry: juego con los procedimientos cinematográficos, fidelidad a ciertos actores, humor caústico.

Guitry no pudo rodar su último guión, La Vie à deux, y fue Clément Duhour quien lo llevó a la gran pantalla.

Sacha Guitry está enterrado en el cementerio de Montmartre (París), junto a su padre Lucien, su hermano Jean (muerto en 1920) y su última esposa, Lana Marconi, fallecida en 1990.

Guitry y los actores

Sacha Guitry se reservó el papel protagonista de todas sus películas, aunque también fue fiel a una serie de actores favoritos. En primer lugar, tenía una alta consideración por su padre, Lucien Guitry, al que consideraba (con Sarah Bernhardt) el mejor actor del mundo y para el que realizó una biografía (Le comédien) y una adaptación teatral (Mon père avait raison). Otra actriz a la que apreciaba enormemente fue Pauline Carton, quien aparece en prácticamente todas sus películas en papeles que Guitry escribió expresamente para ella. A Michel Simon le confió el papel protagonista de La Poison y La Vie d’un honnête homme. Simon también participó en la última película de Guitry Les trois font la paire pese a que su papel no le gustaba. Aceptó actuar sólo por la amistad que le unía con el ya muy enfermo Guitry.

También supo descubrir nuevos talentos y encomendó papeles a los jóvenes Louis de Funès, Darry Cowl, Michel Serrault, Jacqueline Delubac o Raimu, que alcanzaron todos gran éxito gracias a las películas de Guitry. Raimu, agradecido por el apoyo de Guitry, actuó gratuitamente en Les Perles de la couronne. Para Fernandel escribió el guión de Adhémar ou le jouet de la fatalité y también apoyó a Gaby Morlay. Otros actores a los que apreció fueron Erich Von Stroheim, Orson Welles, Jean Cocteau, Jean Gabin, Gérard Philipe, Jean Marais, Danielle Darrieux, Michèle Morgan, Pierre Larquey, Jean-Louis Barrault, Arletty, Édith Piaf, Robert Lamoureux, Yves Montand, Jean-Pierre Aumont, Luis Mariano, Jacques Varennes, Suzanne Dantès, Saturnin Fabre o Brigitte Bardot.

LE ROMAN D´UN TRICHER

Novela de un tramposo

SINOPSIS

Comedia sobre las memorias de un caradura obligado a serlo por el destino.
Su manera de ganarse la vida, los hoteles, las mujeres que se cruzan en su camino,  siempre para torcérselo…
Sentado en la terraza de una cafetería, un hombre escribe sus memorias. Recuerda cómo fue su destino, y de qué modo se selló a la edad de doce años porque al haber robado el dinero de la caja del negocio familiar-una tienda de comestibles- para comprar canicas, se le privó de la cena. Esa noche, toda su familia muere envenenada al comer un plato de setas.  Ya solo en la vida y al haber visto la inutilidad de ser honesto, vive  desde entonces con una única ambición:  llegar a ser rico. Veremos su supervivencia y su destino, el camino que escoge para alcanzar sus objetivos de convertirse en profesional de los trucos y en ladrón

COMENTARIOS

“La novela de un tramposo”, primera película de ficción plenamente asumida por Sacha Guitry, es considerada una de las 100 películas más importantes en la historia del Cine. Innovador, Sacha Guitry fue el inventor de la “voz en off” que es el sistema para ver una escena con el comentario de un actor que no aparece en la pantalla. La película, que ahora se considera emblemática en la historia del mundo del cine, tuvo bastantes contradictorios comentarios cuando fue presentada el 19 de septiembre de 1936: “esta película es un poco larga, más propia del cine mudo, pero sus resultados técnicos son espléndidos”. No fue hasta más tarde cuando la película se reconoce plenamente en su verdadero valor, y es considerada una obra maestra por Orson Welles y François Truffaut, y acogida y admirada por los cineastas de la Nouvelle Vague. La película es una adaptación de un libro de Sacha Guitry, Memorias de un tramposo, y representada con posterioridad en el teatro con el mismo título por Francis Huster. Maravillosa.

Título: ‘Surf rider’

Grupo: The Lively Ones

Momento: Escena final de ‘Pulp Fiction’

Walter Pidgeon y Roddy McDowall en Man Hunt de Fritz Lang

Una de las cosas que suelo lamentar es la dificultad de encontrar ciertos clásicos en DVD. A veces se trata de encontrar una edición de buena calidad. Otras, aun más lamentable, simplemente de encontrar cualquier edición. Afortunadamente cada tanto nos llegan buenas sorpresas. El pasado 19 de mayo la 20th Century Fox publicó al fin un clásico de Fritz Lang del que había leído pero nunca había podido ver. Se trata de Man Hunt (El hombre atrapado, 1941) que además fue restaurada completamente.

Hitler en la mira del Alan Thorndike

La película empieza de lo mejor. Estamos en 1939 a las vísperas de la invasión nazi en Polonia. Un hombre armado de un fusil se adentra en un espeso bosque hasta instalarse al borde de una cornisa. Saca de su mochila una mira telescópica y la ajusta en su fusil. De repente la pantalla se transforma en la mira de nuestro cazador y, o sorpresa, nos encontramos con Adolf Hitler en su centro. El cazador gatilla pero el fusil no estaba cargado. Esto el cazador lo sabía pero nosotros no. Como más tarde explicará a un oficial alemán, un gran cazador  no necesita matar a su presa. Una vez que lo tiene en su mira sabe que ha ganado.  Pero cuando está a punto de volver tras sus pasos duda un instante y decide esta vez cargar la recámara. Vuelve a apuntar pero en el momento en que se dispone a disparar un guardia lo descubre y detiene. Aquí el cazador se transforma en la presa y comienza una infatigable cacería de parte de los agentes alemanes. ¿El cazador será cazado?
Así comienza esta excelente cinta que todos los fanáticos de Lang esperábamos desde hace tiempo. Se trata de una adaptación de la novela por entregas Rogue Male de Geoffrey Household que originalmente hablaba de un dictador anónimo.

El siniestro agente nazi (John Carradine) en plena persecución en las entrañas del metro londinense

Walter Pidgeon es Alan Thorndike, un famoso cazador inglés. El villano de turno es el oficial de la gestapo Quive-Smith interpretado por el siempre excepcional y elegante George Sanders. El reparto se completa con una  joven y excepcional Joan Bennett, John Carradine haciendo de siniestro (what else?) agente nazi y un precoz Roddy McDowall de poco más de 12 años.

La película no escapa al tono propagandista de la época. Pero plantea un interrogante por demás interesante. ¿Qué hubiera pasado si Thorndike hubiera cargado el arma? Thorndike tendrá que vivir con esa carga.
Se trata de un thriller psicológico aunque la ligereza del personaje de Pidgeon  le quita peso dramático. Pero en cada fotograma se respira el aire langiano. El juego de sombras (en plena oscuridad durante  la persecución en el subterráneo de Londres o en la escena de tortura de Thorndike donde se adivina a través de su sombra), las formas geométricas, todo delata la mano del maestro.
En resumen, una buena historia adehesada con suspenso y acción y resaltada con una fotografía inmejorable.

Una vez Lang le confesó a Godard que no sabía qué era una buena película. Pero que creía que son aquellas que uno quiere volver a ver una, dos, tres veces. Evidentemente tiene que entretener pero tiene que decir algo. Tiene que, en cierto modo, criticar algo. Luego de visionarla uno tiene que tener ganas de discutir sobre ella. Si Lang tenía razón, estamos entonces ante una buena película.

Jerry (Joan Bennett) despidiéndose de Thorndike (Walter Pidgeon) "simulando" ser una prostituta ante el acecho de la ley.

Algunos secretos:
-La película iba a ser dirigida originalmente por John Ford.
-Esta es la primeras de las cuatro participaciones de Joan Bennett con Lang. Le siguieron La Mujer del Cuadro (1944), Perversidad (1945)  y Secreto tras la puerta (1948)
-Man Hunt es la primera película de la saga anti-nazi de Lang seguidas por Los verdugos también mueren (1943), El Ministerio del Miedo (1944) y Clandestino y Caballero (1946)
-Originalmente el personaje de Joan Bennett es el de una chica de la calle. Pero a la Oficina Hays no le gustaba. Lang lo solucionó “mostrando previamente una máquina de coser en su departamento. De este modo se trataba de una modista y no de una puta“
-Al legendario productor Darryl Zanuck no le gustaba la escena del puente (la mejor de la película!) y decidió que no se filmaba: “Cuando una puta hace de puta frente al hombre que ama, eso no es trágico. Cuando una chica decente hace de puta, entonces es trágico”. Así que Lang, con la ayuda del director de fotografía Arthur Miller y del director de equipo Ben Silvi, filma a escondidas la escena improvisando el decorado con una barandilla, mucha niebla y una iluminación graduada. Cuando Zanuck vio la escena en la película dijo “Donde está ese decorado? Lo quiero para hacer una película entera“. Silvi le dio la mala noticia de que no existía decorado alguno y Zanuck no volvió a hablar del tema. Según Lang “Eso era lo maravilloso de Zanuck. Cuando lo vio y se dio cuenta de que estaba bien, lo dejó en paz. Naturalmente, yo no insistí en ello“.

Jerry (Joan Bennett) llorando al hombre que ama y no la desea. (Captura gentileza de Alonso Quijano)

Sin embargo existe otra ciudad mucho más pequeña y por supuesto desconocida para la mayoría del gran público. También está en California, aunque un poco más al norte, muy cerca de San Francisco. Se trata de Niles, hoy incorporada a la ciudad de Fremont, pero que en los albores del siglo pasado pudo llegar a convertirse en lo que hoy es Hollywood. De hecho está considerada como el lugar donde se comenzó a hacer cine en California, incluso Charles Chaplin filmó allí alguno de sus primeros cortos. Hoy alberga un Museo de Cine Mudo

Para muestra un botón. Aquí teneis una vista de la montaña en la que se construyó, lo que según me contaron después copió Hollywood, aunque eso no lo puedo asegurar.

A Elisha Cook Jr. todos le hemos visto en infinidad de películas. No voy a hacer aquí una relación de ellas, para eso ya está IMDB , sin embargo si deciros que a mi siempre me ha parecido un personaje entrañable, aunque en su mayoría de actuaciones haya sido el cobardica, traidor o parecido, probablemente debido a su pequeña estatura y su aspecto desvalido. Sin lugar a dudas el actor fue encasillado debido a su físico.

De entre todas ellas me quedo sin lugar a dudas con su interpretación en El Halcón Maltés, donde hace curiosamente de matón. Eso sí, un matón torpe al que Sam Spade le pasa por encima cada vez que se lo encuentra.

Este trailer, una película de Sony Pictures Classics, dirigida y escrita por Duncan Jones (hijo de David Bowie) quien al parecer debutara en la pantalla grande con este film y protagonizada por Sam Rockwell quien va a ser el astronauta en la Luna y Kevin Spacey la voz del robot que lo acompaña en el solitario ambiente.

A mi parecer tiene aires de 2001: A Space Odyssey, Solaris y alguna otra que se me escape en este momento; quizás sea hora de una buena película de ciencia ficcion ya que hace bastante que no se ve nada nuevo en este genero, esperemos pueda ser así.

Fuentes: Filmaffinity

Gracias a mi amigo Andres por comentarme sobre este film

Hágase digno Ryan, hágase digno de todo cuanto se ha hecho por usted hoy

Cap. John Miller (Tom Hanks) a James Francis Ryan (Matt Damon) al final de la película.
Saving Private Ryan de Steven Spielberg

Hoy no pude dejar de pensar en El lado oscuro del corazón de Eliseo Subiela, esa especie de Las alas del deseo en su versión realismo mágico sudamericano. Pensaba en los poemas que se recitan continuamente Oliverio (Darío Grandinetti) y Ana (Sandra Ballesteros en el rol de su vida como prostituta y musa de Oliverio). Pero no es de estos excelentes actores de quienes me proponía hablar. En la película hay otro personaje, inolvidable, que actúa solo unos minutos. Se trata de un viejo marinero alemán que mata sus horas recitando poemas a las muchachas del cabaret: “Porque te tengo y no/porque te pienso/porque la noche está de ojos abiertos/porque la noche pasa y digo amor…” le dice el marinero a una inmutable trabajadora.
Ver a Mario Benedetti en la gran pantalla recitando sus propios poemas en la lengua de Goethe es una imagen algo surrealista. No tanto en cambio verlo en los créditos como guionista en otras películas. Varios de sus novelas y relatos fueron adaptadas al cine. La Tregua, adaptación de su novela homónima que Sergio Renán llevó a la gran pantalla, tuvo el honor de ser nominada a los premios Oscar en 1974. La película no ganó pero nosotros sí, y mucho. Diez años más tarde el mismo Renán volvió a llevar a la pantalla otra de sus novelas. Esta vez le tocó el turno a Gracias por el fuego.
Pero si Benedetti permanecerá en el recuerdo de todos nosotros, no será tanto por su papel de viejo marinero alemán ni por sus guiones, novelas o relatos. Tampoco por sus aportes como dramaturgo o periodista. Don Mario será recordado por poemas como No te salves, Táctica y estrategia, Corazón coraza o El Sur también existe (solo por citar puñado de uno de los más prolíficos autores “rioplatenses”,  que es como los argentinos solemos llamar a los uruguayos que idolatramos)
Pero como bien dice el dicho, todo lo bueno dura poco. Y si, ayer, 17 de mayo de 2009, se nos fue otro atardecer, y con él, se fue Mario Benedetti. Seguro que Goethe los estaba esperando.

Y si no compruébenlo tras echar un vistazo a lo que se encuentra tras la nave de nuestro amigo Burt Lancaster.

Pinchando en la imagen podréis verla en tamaño original, y así apreciar mejor los detalles.

Calificar a Thelma Ritter como secundaria de lujo, ya es un lujo, y valga la redundancia por si solo.
Cuantas veces la habréis visto aparecer en secuencias y habréis dicho “a esta la conozco, pero… ¿como se llamaba?”.
Os refresco un poco la memoria, aquí está su página en IMDB, ahí veréis grandes obras maestras en las que participó. Pero de entre ellas quiero destacar tres, y pongo los títulos originales para que nadie se lleve a error:

• All about Eve: La amargada compañera/criada de Bette Davis. Aquí quizás haga su papel más ácido y con mayor amargura, la de aquella que pudo triunfar pero terminó sirviendo a su amiga.
• Birdman of Alcatraz: Aquí es la abnegada madre que hace todo lo posible para conseguir un trato justo hacia su hijo. Pocas madres en el cine han dado tanto a cambio de tan poco. Para mi su mejor papel.
• Pickup on South Street: Perfecta en un papel mundano, algo típico en el cine americano de los años cincuenta. Mujeres solas que tenían que arreglárselas para salir adelante en una sociedad que no concedía nada a nadie.

Estas tres solo a modo de ejemplo, seguro que tenéis más y mejores opiniones.
Un saludo.